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戏剧革命 15
本章来自《红都女皇》 作者:Kyle
发表时间:2016-08-25 点击数:158次 字数:

15

 

北京人民艺术剧院,简称北京人艺,成立于1952612,是中国话剧团体,国家级话剧院。

戏剧大师曹禺是首任院长。

50年里,北京人民艺术剧院和首都北京一样,走过了辉煌的历程。

老舍的名剧《龙须沟》是北京人民艺术剧院的奠基之作,不久又接连演出了曹禺的《雷雨》、《日出》、《北京人》以及郭沫若的名剧《虎符》。

在文革前的14年里,北京人民艺术剧院创造了共上演大小剧目121部的成就。是中国人民文化艺术的殿堂。

剧院受到郭沫若、老舍、曹禺、焦菊隐的精心培育,并拥有舒绣文于是之英若诚等一批艺术家,始终坚持现实主义创作道路,重视从中外各种戏剧流派特别是中国戏曲传统中吸取营养,形成了真实、深刻、质朴、含蓄及人物形象鲜明、生活气息浓郁、舞台形象和谐统一、具有民族特色的北京人艺风格。

主要剧目有《蔡文姬》、《关汉卿》、《茶馆》、《雷雨》、《丹心谱》、《小井胡同》、《推销员之死》等,其中《茶馆》曾在欧、亚、美不少国家演出,在国际上产生了强烈反响。

1950年初建时为歌剧、话剧、舞蹈等 综合性艺术团体。

19526月其话剧团与中央戏剧学院话剧团合并为北京人民艺术剧院,曹禺任院长,焦菊隐任总导演。

1952612晚,东城区史家胡同56(20)院内举行建院大会。

北京市副市长吴晗代表市政府宣布北京人民艺术剧院成立,并宣布曹禺为北京人民艺术剧院院长,焦菊隐、欧阳山尊为副院长、赵起扬为秘书长。

195341,《春华秋实》在青年宫首演。这是建院后上演的第一部大戏。

1957131,《虎符》首演。 

成立于1952612的北京人民艺术剧院,在中国话剧史上,创造了许许多多的辉煌,她无愧于国家级艺术殿堂的称号,她是国宝级的明珠,是中国话剧的希望所在。

改革开放以来,北京人民艺术剧院的舞台呈现出再度辉煌,20年来共推出新戏80余部,恢复上演保留剧目12部,许多戏久演不衰,场场爆满。

除文革前的保留剧目外,像新时期以来的《丹心谱》、《王昭君》、《绝对信号》、《推销员之死》、《红白喜事》、《小井胡同》、《狗儿爷涅盘》、《哗变》、《天下第一楼》、《李白》、《鸟人》、《北京大爷》、《古玩》等,其中许多戏演出超过百场,《茶馆》和《天下第一楼》累计演出均高达350场以上!

1988年底北京人民艺术剧院又是带着五台大戏,来到了阔别27年的大上海作汇报演出。

21场戏的4万张戏票在公演前预售一空,上海各报争先报道多年不见的五台大戏,万人空巷的盛况。

当时任上海市委书记的江泽民同志,不仅看了全部五台戏的演出,还亲自主持召开座谈会,与南北戏剧家共商繁荣话剧的大计。就是在他担任总书记之后,也一直惦记着北京人民艺术剧院,并多次来人艺看戏和慰问艺术家们。

北京人艺在半个世纪的历程中,演出活动遍及祖国31个省市、自治区和香港、台湾地区,其鲜明人艺演剧风格已扎根于广大观众之中。

几十年来,北京人民艺术剧院的演出活动从1980年起《茶馆》、《天下第一楼》、《狗儿爷涅盘》、《推销员之死》等剧目先后应邀赴德国、法兰西共和国、瑞士、日本、加拿大、新加坡、韩国等国家的20多个城市访问演出。

将话剧这个舶来品”“返销国外,这是中国几代话剧人的梦想,是北京人民艺术剧院开创了中国话剧走出国门的历史。

林兆华郭启宏顾威吕中修宗迪王领任鸣濮存昕英达梁冠华杨立新丁志诚张志忠徐帆宋丹丹郑天玮冯远征何冰王斑龚丽君、孙茜、陈小艺于明加、毛俊杰等。

北京人艺是很幸运的,在它建院之初,便得到了老舍先生的支持,剧院在50年前所上演的老舍先生的《龙须沟》,它的创作与演出,当时的确成为了轰动中国话剧界的一件大事。

老舍先生被北京市政府授予人民艺术家的光荣称号,同时,这个戏也成就了在戏里成功扮演了程疯子的于是之,他在23岁那年就已经大红大紫。

当年,在大导演焦菊隐的带队下,剧组亲自来到了北京南城的龙须沟体验生活。

所以,演员在创作中,给观众留下的是个性鲜活的人物,是流淌着现实生活的一幅幅生动的画面。

《龙须沟》的创作和演出,不但使人真切感受到老舍先生笔下众多性格各异的小人物的命运变化,更重要的是,在表演创作上,北京人艺开始在自觉地走着一条现实主义的创作道路,并成为北京人艺演剧风格的开端。

在话剧界,似乎有一个不成文的标准,无论是一个剧院或是哪位演员,要考验其实力或表演才华,得须过一过演出《雷雨》的这道门槛。

在中国,《雷雨》是演出最多的一部戏,它拥有的观众也同样是最多的。

北京人艺是在全国解放之后的1954年,第一个在中国话剧舞台上演出《雷雨》的剧院。

作为戏剧大师曹禺的剧作,《雷雨》并不是那种简单化地反映生活的作品,每一个演员对它的理解都需要有一定的认识水平和艺术修养。

至今,在许多老演员的记忆中,当年《雷雨》的排练工作漫长而艰辛,总共用了八个月,其中仅体验生活、做分析人物的案头工作就占去了四个多月,这在北京人艺的排戏历史上也是最长的。

想象一下,当年在《雷雨》中出演角色的都是话剧圈中的著名演员——郑榕、朱琳、于是之、苏民、胡宗温、董行佶……《雷雨》的演出,由此奠定了北京人艺的风格,表明了这个剧院的导、表演艺术走向了成熟。 

《茶馆》是一代大师们的心智,也是一部悲怆的生命交响乐,它的荣辱毁誉,足可称之为中国政治的晴雨表,它走过的每一步都必不可免地留下了一串串历史的印记,显现出非同一般的沉重。 

北京人民艺术剧院的名剧《茶馆》是现实主义风格的经典之作,鲜明地体现了这个剧院的表演特色。

从著名作家老舍,导演焦菊隐、夏淳,到为观众所熟悉的著名表演艺术家们,如于是之、郑榕、蓝天野、英若诚、胡宗温、黄宗洛、林连昆等,均与本剧有着千丝万缕的关联,成为《茶馆》风起云涌、一波三折沧桑变故的见证人。

他们曾有过兴奋、激动、苦闷和泪水,于大惑不解中生发出对艺术的大彻大悟,所以,他们能成为中国当代最优秀、最有气魄的表演艺术家。 

岁月匆匆,似水流年。当年台上的潇洒、英俊,恍然之间已变为无情的白发与老迈……

在许许多多观众看来,演出了374场的老《茶馆》不应该是绝唱。

1999年的秋天,在纪念老舍先生百年诞辰之时,北京人艺新《茶馆》轰轰烈烈地开了张,以全新阵容再次演绎这部经典作品,也同样把个偌大的京城搅得沸沸扬扬,不仅广泛受到好评,并创下了连续演出66场,票房突破400万元的纪录。

在上个世纪八十年代初,北京人艺《绝对信号》的演出,在话剧界引起了极大的轰动。

观众对这部戏的兴奋点来自于对林兆华导演艺术的惊叹。原来话剧的演出也可以像中国戏曲那样,具有舞台的假定性,演员在表演时空上可灵活地跳入跳出,与观众近距离地交流。

当年的演出,无论是从表达导演的美学思想还是外在的舞台表现形式上,都令观众感到了一种从未有过的兴奋。

在今天看来,这种形式司空见惯,但在当年,中国小剧场的演出,则是由北京人艺、由林兆华首开先河的。 

1986年,在剧院的历史上,出现了一部引起戏剧界为之瞩目、纷纷评说的戏,这就是剧作家锦云创作的《狗儿爷涅盘》。

在北京人艺的舞台上,从写作风格到导演的艺术处理,乃至剧中的狗儿爷形象都是崭新的。

作者采用了意识流的手法来揭示人物错乱而复杂的内心活动,全剧把展现现实、倒叙回忆、幻觉穿插等场面连成了一个完整的故事。

当年,曹禺在看过了这部戏后曾这样表达他的感受:两个小时的戏,使我看到了狗儿爷的一生。 

外国戏在北京人艺的演出史上,同样是表达其风格与特点的极重要的一个方面。

文革前有《三姐妹》《带枪的人》《悭吝人》等剧目为代表。

1988年演出的美国剧《哗变》,则成为了充分展现表演艺术最为重要的一部戏。

人们惊叹于北京人艺的演员们以精到的台词功力,在中国的舞台上绘声绘色地打了一场美国官司,尤其是朱旭在剧中所塑造的凯恩号舰长魁格的形象,其台词功夫之深,表演之妙,使得观众大为欣赏。

在众多观众看来,京味儿话剧成为了北京人艺的一大特点。

诸位名家生长在北京,一生一世受其熏染影响,京味儿天然而成。前有《龙须沟》《茶馆》《骆驼祥子》《女店员》,后有《小井胡同》、《鸟人》、《旮旯胡同》、《古玩》等。

1993年《鸟人》的演出,则是耐人寻味的。

从票房看,在北京人艺的门前,不仅出现了观众排长队买票的奇观,而且,在极短的时间内,一个月的演出戏票便一售而空。

像旋风般骤然在京城掀起的鸟人热,成为当时的一大奇观。对此剧,专家与普通观众一致叫好,可谓雅士赏之俗人爱之。  

对著名话剧表演艺术家林连昆来说,他在《北京大爷》中精湛的表演,为他的表演艺术巅峰期画上的一个完美的句号。

由青年导演任鸣执导的这部戏,在九十年代中期的舞台上引起了巨大反响。

这台体现着现实主义创作风格、尤其是体现出剧院表演特色的作品,其锋芒直指北京人,故事中所展现的四合院文化,暴露了当代一些人的自满、自负与落伍。  

北京人艺在对其风格的继承上所持的态度是发展的、多样的。

既有像《雷雨》《天下第一楼》这样传统意义上的戏在演出,同时在演出的样式上也在不间断地进行着尝试。

网络话剧《第一次的亲密接触》于2001年春登场,轻松地赚进了50万。

这大概可归于成功地将网络与戏剧的完美结合。

在经受了工作、交际的烦乱与纷杂后,它的简单、浪漫使人们寻找到心灵一角的宁静。

在剧院的建制上,主要分为艺术演出、舞台美术制作、艺术行政以及剧场经营管理四大职能部门。

剧院的演员队伍现约有60人,在年龄结构上,绝大部分是在22岁至45岁之间,演员正是在舞台上不断磨练,发挥表演特长的年纪。

演员队伍的组成主要来自北京人艺演员表演训练班、中央戏剧学院、上海戏剧学院,有少部分演员是陆续从其它话剧院团调入的。

1992年之后,老一辈的演员陆续离退。在剧院舞台上,一批在表演上显示其才华的演员正在起到中流砥柱的作用。

主要代表人物有:濮存昕、徐帆、陈小艺、梁冠华、杨立新、何冰、冯远征等。

剧院舞美处现约50余人,下设灯光、服装、道具、效果、化妆、装置五个部门,负责剧目的设计与制作以及保障演出的执行。

中青年队伍主要来自中国戏曲学院、中央戏剧学院、中央美术学院及清华大学美术学院的舞台美术方向的专业人才,作为一线部门对剧院的艺术生产做出了极大的贡献。

负责组织剧本的工作。对任何一个剧院而言,抓剧本创作的工作至关重要,在北京人艺的历史上,历届院领导首先注重的即是剧本工作。同时,还负责对本剧院导演、编剧、设计人员的管理工作。

主要负责剧院艺术生产方面的对外宣传工作,一部戏在成立了剧组后,艺术处便开始进入宣传组织工作。并负责组织与艺术相关的座谈等活动。

此外,还承担着剧院资料的管理和使用,演出资料的摄影、摄相。

北京人艺舞台美术制作中心是一个在中国演出界具有一定影响的专业舞台美术制作单位。

地点位于北京大兴区的旧宫。除负责本剧院的布景、道具、服装、化妆、灯光、音响等方面的制作或管理外,还承担着其它院团的布景制作。

许多院团的演出布景均是由北京人艺舞台美术制作中心制作完成的。

院办公室,负责协调剧院行政管理以及各类大活动;负责剧院的外事联络与接待。

行政处,负责剧院所属的房屋管理、维修,车辆的使用以及对食堂的管理。

人事处,负责管理剧院的人事档案、调整工资、剧院的安全和保卫等工作。

计财处,负责制定剧院财务管理规章制度,并组织实施。统筹安排专项基金使用。管理剧院的预算与分配、艺术生产及行政建设等日常资金的使用。

演出处,负责联络和组织剧院在国内的巡回演出任务。

不足之处:作为中国最有名的艺术剧院之一,北京人艺的行政机构和历届领导人,并没有重视企业的域名建设。以至于北京人艺.中国这个中文国际域名,被个人注册走。

行政机构不够重视北京人艺网站的建设,比起很多企业的很多网站来说,北京人艺在网络科技的这方面比较滞后。

行政机构的商业运作能力还有一点匮乏。

艺术弘扬的是文化,而北京人艺连中文国际域名都没有,这确实体现不出爱国。

责任在于行政单位对科技意识的缺失。

目前在万网登记的北京人艺.中国的国际域名,所有者是一个叫任佳的个人,并非属于北京人艺。

首都剧场是北京人民艺术剧院所属的专用演出场所,始建于1954年。40多年里,首都剧场曾展现了北京人艺几代艺术家们所创造的业绩,其剧场建筑也以其古朴、凝重、宏伟的建筑风格载入世界建筑史册。

首都剧场坐落于北京繁华市区--王府井大街。剧场大楼长116,宽42,建筑面积1.5万平方米,占地面积6300平方米,集演出、排练和剧院办公为一体。

剧场休息厅和观众厅,古典华贵,气势恢宏,并以造型多异的灯饰装点着淡雅的环境。

舞台表演区面积517平方米,进伸22.7,高22,台口宽 13,高9,旋转舞台直径16,配有双路供电和中央空调。是全国规模最大、设备最好的剧场之一

京人艺小剧场是北京人民艺术剧院发展基金会投资兴建的一座新型多功能厅。

20033月,北京人艺实验剧场落成并正式启用。

从此,北京人艺将形成首都剧场、人艺小剧场、人艺实验剧场鼎足而立之势。

北京人艺实验剧场建于首都剧场三层,面积达400多平米,可容纳200--250名观众,专业的演出设备与配套设施可充分满足各种小型艺术演出与团体活动的要求;剧场南北两侧分设开放式会议厅,主要用于各种会议接待和学术研讨活动,也可进一步扩充舞台空间以配合演出;同时剧场后台配备贵宾休息厅、演员化妆间等相关设施,可为各艺术团体提供配套服务;此外,设在剧场内的小型咖啡厅不仅可以为观众提供演出前的小憩之地,而且可举办画展、影展及艺术沙龙等活动,更加体现剧场的人文关怀与整体文化氛围。

北京人艺小剧场是北京人民艺术剧院发展基金会投资兴建的一座新型多功能厅。

 

1952年,北京人民艺术剧院成立之初曾成功地将话剧《从资产阶级的中西结合发展而来》改造成为社会主义服务的新戏剧。

早于20世纪初,平民剧院政策就被用来提升人们的政治觉悟,这一政策一直被延续贯彻下来。

为了宣扬共产主义和缩小职业艺术家和劳动人民之间的阶级隔阂,剧团的演员们一般被分为四个团队,轮流为工人和农民演出。

这一模式在文革期间充分发展和广泛使用。

划分阶级的社会运动里没有铲除古代文化传统,也没有隔绝现代文化的引进。

1960年代出现了几千个地方剧团。有些是独立的,有些是受到国家支持的。

行家们。特别是那些寻求新生活方式的人们,对演出易卜生、奥尼尔、肖伯纳、契可夫、曹禺的作品始终保持着激情。

俄罗斯剧作家及其中国学生教授斯坦尼斯拉夫斯基的表演方式。

斯坦尼斯拉夫斯基的观点是:

对精神探索、“放纵”、“迁就”的演绎都要在国家干预下结束。

斯坦尼斯拉夫斯基(18631938StanislavskiKonstantin俄国演员,导演,戏剧教育家、理论家。

原姓阿列克赛耶夫

名言:

没有小角色,只有小演员 

妻子为莉琳娜。

186315生在莫斯科一个富商家庭,193887卒于莫斯科。

1877 年在家庭业余剧团舞台开始演员生涯。

1885年取艺名斯坦尼斯拉夫斯基。

1888年末与莫斯科一些文艺界名流创办艺术文学协会及附属剧团,逐渐完成了从业余演员向专业演员的过渡 。

18976月斯坦尼斯拉夫斯基同聂米罗维奇-丹钦科举行了历史性的会见 , 决定创建新型的剧院——莫斯科艺术剧院

189810月莫斯科艺术剧院以首演斯坦尼斯拉夫斯基执导的历史悲剧《沙皇费多尔·伊凡维奇》宣告成立。

一个月后,斯坦尼斯拉夫斯基与丹钦科联合执导的契诃夫名剧《海鸥》获得轰动性成功,标志着一个新的现实主义戏剧流派的诞生。

就如斯坦尼斯拉夫斯基后来总结所述:

如果说历史世态剧的路线把我们引向外表的现实主义,那么,直觉和情感的路线却把我们引向内心的现实主义。

梅兰芳曾与1935年访问斯坦尼斯拉夫斯基,两人多次交谈,斯坦尼斯拉夫斯基对梅兰芳说:

他说要成为一个好演员或好导演,必须刻苦地钻研理论和技术,二者不可偏废。同时一个演员必须不断地通过舞台的演出,接受群众考验,这样才能丰富自己,否则就等于无根的枯树了。

《海鸥》之后,斯坦尼斯拉夫斯基又和丹钦科共同执导了契诃夫的《万尼亚舅舅》、《三姊妹》、《樱桃园》。同时 ,把高尔基最初的两部剧作《小市民》、《底层》推上了舞台。

在这个时期,斯坦尼斯拉夫斯基不仅担任导演而且也在自己导演的剧目中担任重要角色。

三姊妹 》中的韦尔希宁 ,《底层》中的沙金,《樱桃园》中的戛耶夫都属于斯坦尼斯拉夫斯基创造的舞台形象。斯坦尼斯拉夫斯基成功塑造的形象还有斯多克资医生(《人民公敌》)、法穆索夫(《智慧的痛苦》)、克鲁季茨基(《智者千虑必有一失》)等。

十月革命后,斯坦尼斯拉夫斯基的艺术风格有了新的变化。在导演奥斯特洛夫斯基的《炽热的心》和伊凡诺夫的《铁甲列车14-69》时,给舞台演出充实了新的时代精神。

19221924 年率剧团在美国巡回演出时 , 写作了自传《我的艺术生活》,首次对自己的戏剧体系作了理论与实践相结合的研讨。

192810月心脏病突发之后,全力投入戏剧实验教学与理论总结工作,写出了洋洋大观的《演员自我修养》,并以形体动作方法丰富了以内心体验为核心的戏剧体系。

最终成了世界一大戏剧体系的奠基人。

体验基础上的再体现为基本内容的斯坦尼斯拉夫斯基体系是俄国现实主义戏剧体系的主要代表,这一体系对包括现代中国戏剧艺术在内的20世纪世界现实主义戏剧运动产生了很大的影响。

斯氏毕生大量的艺术活动中,给予苏联演剧学派以深远的影响。促进了苏联各戏剧流派的发展。

最主要的成果是建立了斯坦尼斯拉夫斯基演剧体系。它是包括表演、导演、戏剧教学和方法等系统专业知识的演剧体系。它是斯氏毕生创作和教学经验的总结,也是他对演剧艺术领域的先驱者和同时代的世界杰出大师们的经验总结。

体系的戏剧美学思想——真实反映生活,强调戏剧的社会使命和教育作用,继承了19世纪俄罗斯革命民主派朴素唯物主义的美学观点。

它出现于20世纪俄国无产阶级革命运动日趋高涨之时,不仅反映了社会进步阶层对舞台艺术所提出的具有深刻思想内容与生活真实的要求,而且体现了俄罗斯艺术的民族特性及对现实主义与民主主义的热切追求。

体系在导演工作方面所作的大胆革新,完善了俄罗斯导演艺术流派,使导演发展成为整个演出的思想解释者、组织者、剧院集体的教育者。

在与演员的合作上,体系强调演员在舞台上的首要地位,发展演员的创作主动性,通过整体演出体现导演的风格。

强调内容与形式的统一,强调演出各部分之间的和谐一致和演出的艺术完整性。

体系关于演员的创作原理和训练方法,斯坦尼斯拉夫斯基称之为体验派。

要求的不是模仿形象,而是成为形象、生活在形象之中,并要求在创造过程中有真正的体验。

因此,斯坦尼斯拉夫斯基的体系对20世纪的世界戏剧文化产生了重大的影响。

斯坦尼斯拉夫斯基体系在中国博得梅兰芳等戏剧家的高度评价,并对中国戏剧产生了深远的影响。

斯坦尼斯拉夫斯基的著作始于30年代介绍进中国,相继出版了斯坦尼斯拉夫斯基的主要作品乃至全集。

据研究者早在19世纪末,模仿东方的异国情调就逐步成为俄国的一种时尚。

就连年轻的斯坦尼斯拉夫斯基也不例外。

1887年,斯坦尼斯拉夫斯基的家庭剧团在排演喜歌剧《日本天皇》时,通过学习日本人执扇的各种姿势,进行了近乎程式化的形体训练。

后来,在建立自己的体系时,斯坦尼斯拉夫斯基为了找到演员控制自己感情的机制,研究了潜意识问题。

为此他转向印度古代哲学,研究能够使人控制自己意识的秘传的技能。

1927年第一次国内革命战争失败,进步文艺阵营中展开了关于无产阶级革命文学的论争。

夏衍按照中国共产党关于加强对文艺工作领导的指示,在中国话剧史上第一次提出无产阶级戏剧的口号,1930年中国左翼戏剧家联盟成立,直至1937年抗日战争爆发,

中国的话剧运动进入了左翼戏剧时期。

左翼剧联在许多城市建立了分盟或小组,在工农群众中开展演剧活动,推动建立一批剧团,演出众多的进步话剧作品。

后来,出版界出版了专业的戏剧刊物和论著,把斯坦尼斯拉夫斯基体系介绍进来,在其理论的影响下,探讨中国话剧运动的经验教训,开始了中国话剧的理论建设。

中国第一代导演对斯坦尼斯拉夫斯基的导、表演理论有所借鉴。

如《娜拉》的导演章泯在排练时,拿出导演笔记,给大家念了这样一段斯坦尼斯拉夫斯基的话:

在舞台上,不可能用一套千篇一律的刻板公式、舞台脸谱和角色类型来表现先进的苏维埃式的人物。在舞台,要在角色的生活环境中和角色完全一样地、合乎逻辑地、有顺序地、像人那样地去思想、希望、企求和动作。

这是中国话剧界第一次用"斯坦尼"体系来指导话剧艺术的舞台实践。

演员们边理解边排练,章泯循循善诱,终于第一次使中国的演员们接受了这位大师的理论。

张彭春18921957)是中国早期话剧导演奠基人,他对中国话剧导演制的建立,也作出过贡献。他曾两度访问俄罗斯,对斯坦尼斯拉夫斯基的导、表演理论也有所借鉴。

1949年以后,中国掀起了学习的高潮,先后邀请前苏联戏剧专家来华讲学。

斯坦尼斯拉夫斯基演剧体系不仅奠定了中国话剧现实主义表演的科学基础,同时对于话剧学习戏曲的表演体系,创造有中国自身特色的表演体系提供了重要的参照系。

斯坦尼斯拉夫斯基体系讲求演员与角色合二为一,进入无我之境,通过逼真的生活化的表演,在时空集中的舞台上再现生活。

不同于布莱希特体系以及中国梅兰芳戏曲体系,斯氏注重将观众卷入戏剧,引导观众对戏剧产生感情,投入规定情境以进入情节,亲近角色,最终置身剧情接受感染,从而达到与观众间接交流的目的。

斯氏体系的美学特征正是通过移情——共鸣的模式,让演员通过情感间接体现剧作思想,制造逼真的生活幻觉。

斯坦尼斯拉夫斯基体系只是系统而科学地阐述了表演艺术的规律。

斯氏体系的精华在于体现出人的天性

要求演员不是好像存在于舞台上,而是真正存在于舞台上,不是在表演,而是在生活。演员应当永远是舞台上活生生的人,要遵守生活的逻辑和有机性的规律,在规定情景中真诚的去感觉,去想,去动作。

斯氏毕生大量的艺术活动中,给予苏联演剧学派以深远的影响。

促进了苏联各戏剧流派的发展。最主要的成果是建立了斯坦尼斯拉夫斯基演剧体系。

它是包括表演、导演、戏剧教学和方法等系统专业知识的演剧体系。

它是斯氏毕生创作和教学经验的总结,也是他对演剧艺术领域的先驱者和同时代的世界杰出大师们的经验总结。

体系的戏剧美学思想——真实反映生活,强调戏剧的社会使命和教育作用,继承了19世纪俄罗斯革命民主派朴素唯物主义的美学观点。

它出现于20世纪俄国无产阶级革命运动日趋高涨之时,不仅反映了社会进步阶层对舞台艺术所提出的具有深刻思想内容与生活真实的要求,而且体现了俄罗斯艺术的民族特性及对现实主义与民主主义的热切追求。

体系在导演工作方面所作的大胆革新,完善了俄罗斯导演艺术流派,使导演发展成为整个演出的思想解释者、组织者、剧院集体的教育者。

在与演员的合作上,体系强调演员在舞台上的首要地位,发展演员的创作主动性,通过整体演出体现导演的风格。

强调内容与形式的统一,强调演出各部分之间的和谐一致和演出的艺术完整性。

体系关于演员的创作原理和训练方法,斯坦尼斯拉夫斯基称之为体验派。

要求的不是模仿形象,而是成为形象、生活在形象之中,并要求在创造过程中有真正的体验。

因此,斯坦尼斯拉夫斯基的体系对20世纪的世界戏剧文化产生了重大的影响。

斯坦尼斯拉夫斯基体系在中国博得梅兰芳等戏剧家的高度评价,并对中国戏剧产生了深远的影响。

斯坦尼斯拉夫斯基的著作始于30年代介绍进中国,相继出版了斯坦尼斯拉夫斯基的主要作品乃至全集。

  
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